Charlène Favier: ‚Oksana war eine Ikonoklastin‘

Was hat Sie an Oksana Shachkos Geschichte so bewegt, dass Sie einen Film über sie drehen wollten?
Oksanas Geschichte hat mich wie ein Blitz getroffen. Ihr Mut, ihre Widersprüche, ihr tragisches Schicksal – ich verspürte das dringende Bedürfnis, die Innenwelt einer Frau zu ergründen, die alles für eine Sache gegeben hat, einschließlich ihres Körpers, ihrer Beziehungen und letztendlich ihres Lebens. Besonders bewegt hat mich, wie sie sich an die Kunst als Form des Widerstands klammerte, obwohl alles um sie herum zusammenbrach. Es ging nicht nur um FEMEN – es ging um eine Frau im Exil, eine Frau, die vor Überzeugung brannte, aber in tiefer Einsamkeit lebte.

Ihre Darstellung von Oksana zeigt sie sowohl als furchtlose Aktivistin als auch als zutiefst verletzliche Frau. Wie sind Sie an eine so vielschichtige Figur herangegangen, ohne sie zu glorifizieren?
Das war die größte Herausforderung. Ich wollte sie nicht zu einer Märtyrerin oder Heiligen machen. Oksana war brillant, aber auch zerbrechlich und manchmal destruktiv – sowohl sich selbst als auch ihrem Umfeld gegenüber. Mein Ansatz war, mich auf diese Komplexität einzulassen. Ich habe Zeit mit Menschen verbracht, die sie kannten, ihre Schriften und Interviews studiert und versucht, das Gewicht ihrer Last zu verstehen. Das Ziel war es, ihr Feuer zu würdigen, ohne ihre Schattenseiten auszublenden.

Wie haben Sie mit der Hauptdarstellerin Albina Korzh gearbeitet, um die emotionale Intensität und Körperlichkeit von Oksanas Rolle einzufangen?
Albina brachte eine seltene Mischung aus Stärke und Verletzlichkeit mit.

Wir haben monatelang zusammengearbeitet – physisch, emotional, politisch. Sie trainierte Protestchoreografien, las Oksanas persönliche Texte und tauchte in die Atmosphäre des postsowjetischen Aktivismus ein. Wir sprachen viel über Schmerz – physischen, sexuellen, ideologischen – und darüber, wie dieser Schmerz nach außen als Performance oder nach innen als Selbstzerstörung geleitet werden kann. Albina hat Oksana nicht „gespielt“ – sie wurde zu ihr.

Der Film wechselt zwischen Oksanas Aktivismus in der Ukraine und ihrem Leben im Exil in Paris. Wie haben Sie diese Zeitachsen filmisch miteinander verwoben?
Ich sah die doppelte Zeitachse als einen Herzschlag – Vergangenheit und Gegenwart pulsieren gegeneinander. Die ukrainischen Szenen sind kinetisch, laut, drängend; die Pariser Momente sind eher introspektiv, langsamer, gedämpfter. Wir haben viel mit Texturen, Farben und Kamerabewegungen gespielt, um diesen Kontrast hervorzuheben. Die Schnitte waren nicht nur ein narratives Mittel, sondern auch eine Möglichkeit zu zeigen, wie die Vergangenheit in die Gegenwart hineinwirkt, insbesondere wenn der Körper sowohl Ort der Erinnerung als auch des Widerstands ist.

FEMEN war schon immer eine kontroverse Bewegung. Wie sind Sie mit dieser Dualität in Ihrer Erzählung umgegangen?
Indem ich sie angenommen habe. FEMEN provoziert – das ist der Sinn der Sache. Aber der Film nimmt keine dogmatische Position ein. Er stellt mehr Fragen, als er Antworten gibt. Was bedeutet es, den eigenen Körper als Waffe einzusetzen? Was passiert, wenn Sichtbarkeit zu Verletzlichkeit wird? Wir haben interne Konflikte innerhalb der Gruppe, die Widersprüche zwischen feministischen Idealen und autoritären Strategien und die Belastung, die Aktivismus für die Intimität und die psychische Gesundheit mit sich bringen kann, einbezogen. Es ist kein Manifest – es ist ein Porträt.

OXANA untersucht den Körper als politisches Werkzeug. Wie habt ihr die Protest-Szenen so inszeniert, dass sie kraftvoll und gleichzeitig respektvoll bleiben?
Wir sind sie wie Rituale angegangen. Die Nacktheit war nie unnötig – sie war politisch, bewusst und symbolisch. Wir haben eng mit einer Intimitätskoordinatorin zusammengearbeitet und jede Bewegung wie einen Tanz choreografiert, wobei Albina und die anderen Schauspielerinnen in jeder Phase voll und ganz selbstbestimmt waren. Das Ziel war es, den Mut der realen Proteste zu würdigen und gleichzeitig sicherzustellen, dass unser eigener Prozess sicher und feministisch war, nicht nur inhaltlich, sondern auch in der Praxis.

Ihr Film verwendet eindrucksvolle Bilder und Symbole – insbesondere die Ästhetik des Protests. Wie wichtig war künstlerischer Ausdruck als Form des Widerstands in Ihrer Regievision?
Das war essenziell. Oksana war eine Ikonoklastin – nicht nur im Aktivismus, sondern auch in der Kunst. Sie wuchs in einem religiösen Umfeld auf und unterwanderte diese Ikonografie mit scharfer Intelligenz. Ich wollte, dass der Film dies widerspiegelt – dass er nicht nur in seiner Form, sondern auch in seinem Thema radikal ist. Also haben wir uns auf visuelle Metaphern konzentriert: sakrale Bilder, Straßentheater, rote Farbe, Rauch, nackte Haut, wiederverwendete orthodoxe Symbole. Protest ist nicht nur Politik – er ist auch Poesie.

Wie haben Sie bei der Erzählung dieser wahren Geschichte die Balance zwischen faktischer Genauigkeit und kreativer Freiheit gefunden?
Mit Sorgfalt und Demut. Wir hatten Zugang zu Archiven, Zeugenaussagen und Oksanas eigener Stimme. Aber einige Teile ihres Lebens, insbesondere die letzten Monate, bleiben undurchsichtig. Anstatt zu fiktionalisieren, haben wir emotionale Wahrheit geschaffen – Momente, die zwar erfunden sind, aber mit dem, was sie erlebt hat, im Einklang stehen. Es war wichtig, gegenüber dem Publikum transparent zu sein: Dies ist eine Vision, kein Dokumentarfilm. Aber es ist eine Vision, die auf Recherche, Liebe und Verantwortung basiert.

Was bedeutet Oksanas Vermächtnis Ihrer Meinung nach für die heutigen feministischen Bewegungen – insbesondere vor dem Hintergrund des Krieges in der Ukraine?
Sie erinnert uns daran, dass Feminismus keine Komfortzone ist – er ist oft gefährlich, dringlich, schonungslos. Oksana glaubte an radikale Konfrontation, aber sie hatte auch mit den Folgen dieser Entblößung zu kämpfen. Heute, wo ukrainische Frauen sowohl gegen den Krieg als auch gegen das Patriarchat kämpfen, fühlt sich ihr Geist eindringlich aktuell an. Ihr Vermächtnis ist geprägt von wildem Widerstand – aber auch von der Forderung nach Fürsorge, Heilung und Räumen, in denen Verletzlichkeit keine Schwäche ist, sondern eine Form von Stärke.

Der Film endet mit einer stillen, aber kraftvollen Note. Welche emotionale oder politische Reaktion erhoffst du dir vom Publikum nach dem Film OXANA?
Ich hoffe, dass sie erschüttert sind. Bewegt. Dass sie Fragen stellen. Ich hoffe, dass sie den Preis erkennen, den eine Frau zahlt, die Nein sagt – und dabei bleibt, auch wenn es wehtut. Und ich hoffe, dass sie Oksana in sich tragen – nicht nur als Symbol, sondern als Frau, die es wagte, ihren Körper sowohl als Leinwand als auch als Schlachtfeld zu betrachten.

Vielen Dank für Ihre Zeit!

«Oxana – Mein Leben für Freiheit» ist ab 24. Juli im Kino zu sehen.