Nicolas Athané: ‚Wenn wir Vielfalt im Kino wollen, müssen wir die Voraussetzungen dafür schaffen‘

Die Grundprämisse von «Jim Queen» ist äußerst provokativ: Ein Virus verwandelt schwule Männer in Heterosexuelle. Wie schnell wurde Ihnen klar, dass hinter dieser zunächst absurden Idee das Potenzial für einen Film über Heteronormativität und soziale Ausgrenzung steckte?
Nicolas Athané: Als ich Marco und Simon zum ersten Mal traf, wusste ich nichts über das Thema (ich war ein armer, heteropositiver Typ). Als sie mir die Idee vorstellten, war meine erste Reaktion, zu lachen. Doch dann wurde mir sofort die Kraft ihres Konzepts bewusst. Man muss es nicht erst gedanklich verarbeiten, man erlebt es buchstäblich. Durch diesen Perspektivwechsel wurde mir konkret klar, wie absurd es ist, Sexualität und Geschlecht als psychische Krankheit zu betrachten. Auch heute noch ist unsere Gesellschaft tiefgreifend von Heteronormativität, Kontrollinstanzen und Sexualität geprägt. Für mich ist dieser Film ein großartiger Einstieg in all diese Fragen.

Marco Nguyen: Für mich war die Idee nie völlig absurd, und genau das macht sie so beängstigend. Konversionstherapien gibt es immer noch, und viele von uns sind mit der Vorstellung aufgewachsen, dass man sich Homosexualität „einfangen“ oder „heilen“ könne. Der Film nimmt diese Fantasie einfach wörtlich und verwandelt sie in eine Komödie. Neu war dank Niko, dass man sehen konnte, wie das bei jemandem von außen funktioniert. Wenn ein heterosexueller Mann im selben Moment lacht und versteht, weiß man, dass das Konzept stark ist.

Die Idee entstand vor etwa sieben Jahren. Ihr habt selbst gesagt, dass der Film damals als viel unbeschwerteres Projekt konzipiert war und nun politischer wirkt, als ursprünglich beabsichtigt. Musste sich «Jim Queen» während dieser langen Entwicklungsphase inhaltlich weiterentwickeln?
Nicolas Athané:Am Anfang wollten wir einfach nur eine lustige Satire auf das Pariser Schwulen-Nachtleben drehen, das Marco und Simon so gut kannten. Doch während wir das Drehbuch schrieben, erlebten wir, wie sich die Welt um uns herum veränderte, und wir beteten förmlich darum, dass der Film bei seiner Veröffentlichung noch aktuell sein würde. Aber so wie sich die Gesellschaft veränderte, veränderten auch wir uns. Also haben wir einige Szenen umgeschrieben, um sie treffender zu gestalten. Dennoch waren es nicht allzu viele Änderungen, denn der größte Teil der Arbeit bestand darin, all unsere Ideen in 80 Minuten unterzubringen. Ich bin mir sicher, wir hätten das Thema nicht auf dieselbe Weise erfasst, hätten wir erst nach der Corona-Pandemie, der „Gilets Jaunes“-Bewegung in Frankreich, dem Mord an Nael durch die Polizei, dem Rückschlag bei den LGBT+-Rechten und dem Aufkommen einer neuen Art von Faschismus mit dem Projekt begonnen. In gewisser Weise hat uns unser anfänglicher Mangel an politischem Bewusstsein auch dabei geholfen, eine optimistische Stimmung im Film zu bewahren – was heutzutage kein Luxus ist und Kraft geben kann, für die eigenen Rechte zu kämpfen.

Marco Nguyen: Niko hat recht, die Welt hat sich schneller verändert als unser Drehbuch. Am Anfang fühlte es sich unbeschwert an, über die Schwulenpartyszene zu lachen. Heute, angesichts der Gegenreaktion gegen LGBTQIA+-Rechte, ist es an sich schon politisch geworden, queere Menschen zu zeigen, die Spaß haben und frei sind. Wir mussten den Film nicht düsterer gestalten. Uns wurde klar, dass Freude unsere Art des Widerstands ist. In einer Zeit, in der alles uns in Richtung Angst und Wut treibt, ist ein Film, der die Community dazu bringt, über sich selbst zu lachen, und ihr Energie gibt, vielleicht das Nützlichste, was wir tun können.

Jim ist alles andere als ein makelloser Held: Er ist oberflächlich, körperbesessen und grenzt sogar andere Menschen innerhalb der schwulen Community aus. Warum war es euch wichtig, nicht einfach einen sympathischen Vertreter der Community in den Mittelpunkt zu stellen?
Nicolas Athané:Wir wollten schwule Menschen nicht als unschuldige, makellose Opfer darstellen. Das ist eine idealistische und vereinfachende Sichtweise auf die Community. Es ist das erste Bild, das man von der LGBT+-Community hat, wenn man sie noch nicht kennt. Die Realität ist komplexer, es gibt viele Machtkämpfe innerhalb der Community. Deshalb haben wir uns von Anfang an dafür entschieden, einen „Antihelden“ als Hauptfigur zu wählen. Den verabscheuungswürdigsten überhaupt! Es ist eine Figur, die man gerne hasst. Aber keine Sorge, es gibt jede Menge liebenswerte Figuren um ihn herum, wie Nina, Lucien und all die Menschen, denen sie begegnen.

Marco Nguyen: Jim war das allererste, was in diesem Projekt auftauchte, noch vor „Heterosis“. Er ist eine Fantasie: der Typ, von dem jeder Mann träumt, ihn zu bekommen oder so auszusehen wie er. Und um diese Fantasie herum hat die Schwulenszene auf der Suche nach Perfektion eine ganze Reihe von Codes geschaffen. Man braucht einen Bart und Bauchmuskeln, um geliebt zu werden. Ich wollte mich über diese absurden Verhaltensweisen lustig machen, die uns dazu drängen, um jeden Preis Teil der Gruppe zu sein – oder sonst unsichtbar zu werden. Selbstironie und Selbstkritik bilden die Grundlage dieser Absicht. Und ehrlich gesagt tut es gut, diese Aspekte der Community auf die Schippe zu nehmen, die uns auch unterdrücken können.

Der Film zielt nicht nur auf Heteronormativität ab, sondern auch auf Körperkultur, Altersdiskriminierung, Klassismus und die manchmal krassen Spaltungen zwischen verschiedenen schwulen Subkulturen. Siehst du Selbstkritik als Voraussetzung dafür, dass eine Satire über Diskriminierung wirklich funktioniert?
Marco Nguyen: Auf jeden Fall. Und ich glaube, das können wir nur, weil wir aus der Community selbst kommen. Würde ein schwuler Regisseur dieselben Witze über Lesben machen, würde sich das wie ein Angriff anfühlen. Wenn es von uns kommt, wird es zu einem Gespräch. Diskriminierung kommt nicht nur von außen: Body-Shaming, Altersdiskriminierung, Rassismus und Klassismus gibt es auch innerhalb der Community. Das Gegenteil vorzutäuschen, würde den Film weniger ehrlich und weniger witzig machen. Man kritisiert seine Familie, weil man sie liebt.

Nicolas Athané:Sobald man seinen Feind kennt (die „Heterosis“ im Film), kann (und muss) man das eigene Team kritisieren, um die beste Strategie für den Sieg zu finden.

Marco Nguyen, du hast selbst Partys in der Pariser LGBTQIA+-Szene organisiert und zahlreiche persönliche Erfahrungen in den Film einfließen lassen. Wo endet in «Jim Queen» die autobiografische Beobachtung und wo beginnt die satirische Übertreibung?
Marco Nguyen: Die schwule Kultur ist ein so reichhaltiger Nährboden, dass es gar nicht so viel Fantasie erforderte. Die „Pups“, die „Sniffers“, die „Bears“, die „Sisters of Perpetual Indulgence“: Das sind echte Bewegungen. Die Anspielungen im Film sind sehr präzise, weil sie aus dem stammen, was ich in meinem eigenen Leben gesehen habe, insbesondere in den Jahren, in denen ich Partys organisiert habe. Die einzige Übertreibung ist die Art und Weise, wie wir sie darstellen: als Clans in einem heroischen Fantasy-Epos, wie in «Der Herr der Ringe», oder manchmal im Ton eines Horrorfilms, wenn wir über Chemsex sprechen. Der Film ist kein Dokumentarfilm. Er treibt die Merkmale dieser Kulturen bis zur extremsten Absurdität, und das bringt einen zwangsläufig zum Lachen. In gewisser Weise ist es einfach eine größere Version der schlechten Witze, die wir ständig untereinander machen.

Nicolas, du beschreibst dich gewissermaßen als den Vertreter der heterosexuellen Perspektive im Kreativteam. Gab es Momente, in denen gerade deine Außenperspektive dich dazu gebracht hat, einen Witz zu erzählen, eine Figur darzustellen oder sogar eine ganze Szene anders zu gestalten?
Unsere Aufgabe als heterosexuelle Männer (zusammen mit Brice, dem Co-Autor) bestand hauptsächlich darin, alle Konzepte und spezifischen Ideen der „Gym-Queen-Gay-Lore“ für Leute zu übersetzen, die davon keine Ahnung haben. Dazu haben wir viel Anime-Popkultur genutzt: Luciens Kleiderschrank ist buchstäblich der geheime Garten der kleinen Meerjungfrau von Disney, der Gaydar wird zu einer Superkraft wie in Dragon Ball usw. Das war einfach, weil all diese Szenen jedem bekannt sind, unabhängig von seiner sexuellen Orientierung.

Mit Lucien schickt ihr einen jungen Mann, der sich gerade geoutet hat, in eine schwule Welt voller „Gym Queens“, „Bears“, Drag Queens, Fetischisten und zahlreicher anderer Subkulturen. Wie schwierig war es, diese Milieus liebevoll zu karikieren, ohne sie dabei wiederum zu neuen Klischees zu machen?
Nicolas Athané: Wenn man Menschen zum Lachen bringen will, gibt es immer eine schmale Grenze zwischen liebevoller Karikatur und schlechten Klischees. Wir haben hart daran gearbeitet, immer auf der Seite der Menschen zu stehen, die wir porträtiert haben. Auch wenn wir manchmal etwas derb sein können. Oder wenn wir manchmal echte Kritik üben wollen. Wir wollen die Menschen nicht schockieren; wir wollen ihnen Kraft geben und Fragen aufwerfen. Es ist sehr schwer, die richtige Mischung zu finden. Deshalb haben wir mit Menschen aus allen im Film dargestellten Communities über die Geschichte gesprochen. Um zu fragen, ob es für sie in Ordnung ist, dass wir ihre Namen und Orte verwenden.

Der Film geht bei Themen wie HIV/AIDS, Konversionstherapie und Chemsex besonders weit. Wo ziehst du die Grenze – ab wann tragen Satire und derbe Witze nicht mehr dazu bei, ein ernstes Thema zu beleuchten, sondern könnten stattdessen dessen Bedeutung herunterspielen?
Marco Nguyen: Für mich ist die Grenze klar: Wir lachen mit den Betroffenen, niemals über die Opfer. Ziele der Satire sind die Systeme: die Institutionen, die Sexualität als Krankheit behandeln, die Leute, die Konversionstherapien verkaufen, das Stigma. Drogen sind ein sehr präsentes Problem in der Schwulenszene, und nicht darüber zu sprechen, wäre unaufrichtig gewesen. Aber die Absicht des Films ist es nicht, zu moralisieren. Drogen können ebenso festlich wie dramatisch sein, und der Film zeigt beide Seiten. Diese Themen dienen niemals nur dazu, zu schockieren, sondern sie dienen der Erzählung. Die Parallele zu HIV lag auf der Hand: Sobald Jim sich mit dem Heterosis infiziert hat, wird er von seiner eigenen Community abgelehnt, genau wie es vielen HIV-positiven Menschen erging und immer noch ergeht. Humor war schon immer eine der Waffen der Community, um Tragödien zu überstehen, und wir wollten ihn auf diese Weise einsetzen.

Ihr habt euch bewusst auf die schwule Community konzentriert und nicht versucht, das gesamte LGBTQIA+-Spektrum abzubilden. Habt ihr während der Entwicklung einen gewissen Druck verspürt – die Erwartung, dass ein queerer Film heutzutage so viele Identitäten wie möglich repräsentieren muss?
Marco Nguyen: Wenn ein queerer Film erscheint, erwarten alle, dass er für alle spricht. Vom Beginn des Schreibprozesses bis zum allerletzten Moment hatte ich dieses schlechte Gewissen, weil ich Lesben, Transmenschen und andere nicht einbezogen hatte. Jedes Mal, wenn ich mir eine lesbische Figur auf einer Circuit-Party vorstellte, wusste ich nicht, was ich sie sagen lassen sollte. Es klang hohl, künstlich. Also musste ich eine klare Entscheidung treffen: aufzuhören, es allen rechtmachen zu wollen, weil ich einfach nicht die Mittel habe, das gut zu machen. Ich ziehe es vor, aufrichtig zu bleiben. Und ich ermutige tatsächlich alle Trans- und lesbischen Autor*innen, aufzuhören, die Last der ultimativen, utopischen Darstellung zu tragen. Das ist nur eine Fessel der Selbstzensur. «Jim Queen» ist ein erster Schritt. Wenn er funktioniert, wird er die Tür für andere Filme, andere Regisseur*innen und andere Geschichten öffnen. So bauen wir gemeinsam etwas Größeres auf.

Nicolas Athané:Wir wollten über das sprechen, was wir kannten. Deshalb haben wir uns von Anfang an entschieden, den Fokus auf „Gym Queens“ und die Communities um sie herum zu legen. Das kann zu einigen blinden Flecken führen, deren wir uns bewusst sind. Aber wir sind fest davon überzeugt, dass ein Film nicht jedes Thema abdecken muss, um viele Menschen zu erreichen. Anstatt eines einzigen Films, der über alles spricht, brauchen wir viele Filme, die die Gesellschaft so darstellen, wie sie wirklich ist. Das wird jedoch nicht geschehen, wenn wir die Art und Weise, wie wir Filme produzieren, nicht radikal ändern. «Jim Queen» fand in Frankreich keinen Verleiher, wir mussten ein Crowdfunding starten, der Film wäre beinahe nicht entstanden. Filme und Filmemacher kommen nicht von selbst, wenn wir Vielfalt im Kino wollen, dann müssen wir die Voraussetzungen dafür schaffen: kostenlose Animationsschulen, weniger prekäre Arbeitsverhältnisse für Animationsschaffende und eine demokratischere Art der Finanzierung und Verbreitung von Kultur.

Warum musste «Jim Queen» unbedingt ein Animationsfilm für Erwachsene sein? Welche Bilder, Übertreibungen und vielleicht sogar Unwahrscheinlichkeiten wären in einem Realfilm praktisch unmöglich gewesen?
Marco Nguyen: Weil nur Animation diese Extravaganz einfangen konnte! Die schwule Nachtwelt ist im echten Leben ohnehin schon wie aus einem Cartoon, und die Animation hat es uns ermöglicht, das bis zum Äußersten zu treiben: Verwandlungen, ein Gaydar, das wie eine Superkraft funktioniert, explizite Szenen, die mit echten Schauspielern unmöglich zu drehen wären. Vor allem aber ist Animation ein Filter. Sie schafft eine Distanz, die es dem Publikum ermöglicht, die Karikatur als unterhaltsame Satire zu verstehen. In einem Realfilm wäre dieselbe Geschichte extrem dramatisch geworden.

Du beschreibst «Jim Queen» letztendlich als Liebesbrief an die schwule Community. Gleichzeitig hast du Bedenken, dass der Film oberflächlich als Angriff auf Heterosexuelle interpretiert werden könnte. Wie viel Vertrauen muss man dem heutigen Publikum noch entgegenbringen, dass es eine bewusst übertriebene Satire als das erkennt, was sie ist?
Marco Nguyen: Satire ist nichts für Menschen, die Ironie nicht verstehen. «Jim Queen» ist ein Film, der auf Selbstironie basiert, und ich wollte auf keinen Fall eine vorgefertigte Moral vermitteln. Es ist mein Liebesbrief an die Community, mit all ihren Schönheiten und Widersprüchen, und ein Liebesbrief kann ehrlich sein, ohne gemein zu sein. Bei der französischen Veröffentlichung haben wir gesehen, dass der Film viele Diskussionen ausgelöst hat, mit Kritiken und Gegenkritiken, weil er Fragen stellt, die zuvor noch nie gestellt wurden. Für mich ist diese Reaktion ein Erfolg, der die Diskussion auf eine andere Ebene hebt.

Nicolas Athané: Es ist unmöglich zu wissen, wie der Film überall ankommen wird. Vor allem, wenn man Humor macht. Je satirischer man also sein will, desto klarer muss man seine Absichten darlegen. Dann muss man Tests vor kleinem Publikum durchführen. Um zu sehen, ob es auch für die anderen klar ist. So arbeiten wir bei BobbyPills (dem Studio, in dem wir den Film gedreht haben): Zuerst prüft man mit dem Co-Autor, ob die Idee funktioniert, dann probiert man sie mit zehn Leuten im Studio aus. Man probiert sie mit der Familie aus. Man versucht, sie den Menschen zu erzählen, die im Film porträtiert werden. Man beobachtet ihre Reaktionen. Gefällt es ihnen, berührt es sie, entfacht es etwas in ihnen?



«Jim Queen» feierte in Cannes Premiere und läuft nun regulär in den Kinos. Animationsfilme für Erwachsene – und insbesondere explizit queere Animationsfilme – sind dort nach wie vor die Ausnahme. Seht ihr die größere Herausforderung darin, einen solchen Film überhaupt finanziert und produziert zu bekommen, oder darin, anschließend ein breites Kinopublikum dafür zu gewinnen?
Nicolas Athané:Wir haben bei BobbyPills vor «Jim Queen» mehrere Serien produziert, die vom Publikum meist gut angenommen wurden. In gewisser Weise wussten wir also, dass der Film sein Publikum finden würde, auch wenn wir nicht allzu viel erwartet hatten. Für mich war der schwierigere Teil: Werden wir es schaffen, diesen Film zu verwirklichen, wenn Investoren eine Tür nach der anderen vor uns schließen?

Marco Nguyen: Und hinter jeder Tür, die sich schloss, war es immer dasselbe Argument: Es gibt kein Publikum für einen queeren Animationsfilm für Erwachsene. Das Crowdfunding hat das Gegenteil bewiesen: Die Leute wollten diesen Film, noch bevor er überhaupt existierte. Für mich hängen diese beiden Herausforderungen also zusammen. Jetzt geht es darum, genügend Leinwände und genügend Laufzeit in den Kinos zu bekommen, damit sich der Film durch Mundpropaganda verbreiten kann. Das Publikum ist bereit für Animationsfilme für Erwachsene, nur die Branche muss noch überzeugt werden. Jede verkaufte Eintrittskarte ist ein Argument für die nächsten Filme.

Vielen Dank für deine Zeit!

«Jim Queen» ist ab 24. September in Deutschland zu sehen.